Коллекция зарубежного искусства в собрании Приморской государственной картинной галерее насчитывает около пятисот произведений живописи, графики, скульптуры, декоративно-прикладного искусства и включает в себя два раздела: западноевропейское искусство и искусство стран Востока. Коллекция небольшая, но представляет огромный интерес как для специалистов, так и для широкого круга зрителей.

Более полным и систематизированным является раздел Западной Европы, представленный работами итальянских, немецких, фламандских, голландских и французских, бельгийских, испанских, норвежских и швейцарских художников XIV – начала XX веков. Далеко не каждый краевой или областной музей имеет в своих фондах произведения зарубежного искусства.

К числу лучших экспонатов относится работа Неизвестного итальянского художника «Богоматерь с младенцем в пейзаже», выполненная в XIV веке. Она относится к «треченто» – переходному периоду от эпохи средневековья к эпохе Возрождения, и на ней можно видеть, как борьбу старых иконописных принципов с новыми – картинными, так и некоторые завоевания новой художественной системы в области живописно-пластической формы.

Искусство Возрождения, проникнуто ощущением красоты реального мира и высокой эстетической ценности человека как творения природы. В произведении итальянского художника Якопо да Понте Бассано (1517-1592) «Благовестие пастухам» можно видеть, как с изменением мировоззрения в живописи складывались новые принципы жизненно достоверного изображения мира и человека.

Римская школа представлена композицией «Пейзаж с руинами» Джованни Паоло Панини (1691/92-1765), живописца архитектурных видов и руин. В XVII веке пейзаж выделяется в самостоятельный жанр. Такой тип пейзажа как «руинный», получает свое развитие с зарождением науки археологии, с раскопками в погибших во время извержения Везувия античных городах Помпеи и Геркуланум. Античность, увиденная лицом к лицу, поразила людей просвещения, пробудила интерес к памятникам древности, вызвала к жизни новую волну подражания классике. Художник изображает руины как главного героя, он любуется их монументальностью и величавостью.

Испанское искусство в собрании в собрании Приморской государственной картинной галереи представлено всего одной работой, но очень редкой для музеев нашей страны, потому что она относится к XVI веку – не так много давшему мировому искусству. Это работа Неизвестного художника «Портрет монаха ордена доминиканцев».

В XVI веке Испания вела многочисленные захватнические войны, страна была ослаблена, и в искусстве этого времени наблюдается упадок. Не случайно мастер в своем произведении пытается передать состояние мрачности эпохи испанского могущества, расцвет католицизма и время инквизиции. Художник как бы противопоставляет фигуру Христа, который изображен «мелким и ничтожным», фанатичной нависающей, как глыба, фигуре монаха.

С немецкой школой можно познакомиться благодаря единичным полотнам XVI, XVII, XVIII и XIX веков.

Наиболее интересными экспонатами в коллекции немецкого искусства являются две работы Неизвестного художника XVI века из серии «Легенды о святом Евстахии»: «Нашествие воров» и «Святой Евстахий с семьей на арене между львами». Серия состоит из восьми произведений – остальные работы находятся в музеях стран СНГ и России. Это так называемая «житийная» серия, повествующая о страданиях и злоключениях святого мученика Евстахия и его семьи.

Неизвестный немецкий художник XVI века. Нашествие воров из серии «Легенды о святом Евстахии». Дерево, масло.

К XVIII веку относится картина из известной и очень ценной коллекции князей Голицыных «Портрет старухи» Христиана Зейбольда (1697/1703-?/-1768). В работах Христиана Зейбольда заметно подражание своему учителю Бальтазару Деннеру, который любил изображать людей преклонного возраста. В «Портрете старухи» угадываются и традиции голландского искусства, оказавшего в XVII столетии огромное влияние на многие европейские школы живописи.

Зейбольд Христиан (1697-1758). Старуха. XVIII век. Холст, масло

Нидерландская революция XVI века привела к разделению Нидерландов на два государства – Северные и Южные провинции, а на рубеже XVI – XVII веков нидерландское искусство окончательно распадается на две школы – фламандскую и голландскую. В XVII столетии обе они достигли своего наивысшего расцвета.

Живопись Голландской республики занимает в нашей коллекции особое место, поскольку представляет почти все жанры: натюрморт, портрет, батальные и бытовые сцены, анималистические и пейзажные картины. Голландское искусство этого периода отличается яркой реалистичностью, стремлением художников передать неповторимый колорит жизни своего народа, создавшего первое в мире буржуазное государство.

Прекрасным образцом портретного жанра является работа Яна-Антониса ван Равестейна (1572-1657) «Портрет неизвестного мужчины».

Равестейн Ян Антонис (ок. 1570 – 1657). Мужской портрет. Дерево, масло.

Особое место в искусстве голландских художников заняли женские образы, пример тому – работа Неизвестного художника XVII века «Женский портрет». Голландский портрет XVII века имеет определенные национальные черты. Широкое распространение буржуазного реалистического портрета было обусловлено возросшим значением личности в новом буржуазном обществе. Портреты отличаются простотой и точностью изображения, отсутствием какой-либо идеализации.

Неизвестный голландский художник XVII века. Женский портрет. XVII век. Холст, масло

Тихая, неподвижная жизнь вещей, красота цветов или плодов в окружении человека, как украшение его быта, – вот основная тема голландских натюрмортов. Таков «Натюрморт» Неизвестного художника XVII века – один из многочисленных вариантов так называемого десерта.

Неизвестный голландский художник XVII века. Натюрморт XVII века. Дерево, масло

Именно голландским художникам принадлежит заслуга в появлении такого жанра как маринистика. Ведь море в жизни голландцев занимало ведущую роль. Художники пишут его бушующим и спокойным, при вечернем закате и ярком солнечном освещении, с любовью и преклонением перед грозной стихией. Художники великолепно передавали движение волн, связь неба и воды, сливающихся в единую стихию, свежий морской воздух, и корабли, бороздящие просторы моря, рыбаков на берегу.

В работе Питера Муллира (Старшего) (1615-1670) «Буря и крушение у подножия больших скал» раскрывается картина с изображением бушующей морской стихии, встречающейся не так часто у голландских пейзажистов.

Питер Муллир (Старший) (1615-1670) Буря и крушение у подножия больших скал. XVII век. Дерево, масло

Впечатление единой световоздушной среды, в которой существуют все элементы композиции, передано при помощи тонального колорита в работе «Морской берег» (1846) Андреаса Схелфхаута (1787-1870).

Схелфхаут Андреас (1787-1870). Морской берег. 1846 год. Дерево, масло.

Одна из важнейших тем голландского искусства – тема жизни частного человека. Свое главное решение она получила в жанровой картине. За небольшие размеры картин и интимный характер трактовки темы, голландские живописцы получили название «малых голландцев». Иногда в эти сценки художник вносит элемент юмора, занимательности, как в произведении «Оператор» А. Викторейнса (?-1655).

Антоний Викторейнс (неизвестно-1655). Оператор. Холст, масло

Южные Нидерланды в результате буржуазной революции остались под властью Испании, они группировались вокруг наиболее значительной из провинций – Фландрии. Искусство Фландрии значительно отличается от голландского искусства. Оно гораздо ближе Италии и Франции, где в XVII веке наряду с другими направлениями утверждается барокко – пышное, декоративное, беспокойное искусство, призванное украшать залы дворцов, а не скромные бюргерские жилища.

Огромное живописное панно Даниэля Сегерса (?) (1590-1661) «Среди цветов» - как раз такое произведение, где проявляются отличительные черты фламандского барокко: игра контрастов, многоцветие, пышность форм.

Даниэль Сегерс (1590-1661) «Среди цветов». Холст, масло

Самым крупным явлением художественной жизни Франции эпохи Людовика XIV был классицизм. Художники классицизма считали обязательным условием художественного произведения: симметрию, гармонию, особую приподнятость художественного языка.

Театрализация быта при дворе «короля-солнца» сказалась и в великолепном и уникальном натюрморте Жана Батиста Моннуайе (1634-1699) «Цветы». Натюрмортов в XVII веке во Франции писали не так много как пейзажей, портретов или академических композиций. К тому же, работ Моннуайе очень мало в России. В своих коллекциях их имеют лишь несколько музеев. Это пример заказного классицистического натюрморта, где главное внимание уделено внешней красоте и эффективности, каждая деталь пышного букета выписана с удивительной тщательно выписанные, идеально-прекрасные, очищенные от всего случайного цветы, кажутся нам безжизненными, почти бутафорскими.

Жан Батист Моннуайе (1634-1699). Цветы. XVII век. Холст, масло.

Пейзаж Эдмонда де Схампфелера (1824-1899) «Туманное утро» - это образец пейзажа во французском искусстве XIX века.

Эдмонд де Схампфелер (1824-1899). Туманное утро. Холст, масло.

Интересными произведениями в разделе французского искусства являются картины конца XIX начала XX века: «Перед боем быков» Акилла Анри Зо (1873-?) и Жана Жовено (1888-?) «Натюрморт с цветами и скрипкой». «Натюрморт» Жана Жовено, написанный в 1916 году, может служить прекрасным образцом постимпрессионизма – направления в искусстве конца XIX- начала XX века.

Акилл Анри Зо (1873-неизвестно). Перед боем быков. Холст, масло.

Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни,– как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра, Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена и группы «Наби» (Морис Дени, Поль Серюзье, Эдуард Вюйар, Пьер Боннар и др.), и создание линейно-живописного строя стиля модерн (Анри де Тулуз-Лотрек и др.), и проникновение в конструктивную основу предмета (Поль Сезанн), и даже предвещавшая опыты экспрессионизма живопись Винсента Ван Гога.

Художники, которых в истории искусства именуют постимпрессионистами — Сезанн, Ван Гог и Гоген, — не были объединены ни общей программой, ни общим методом. Они начали работать параллельно с импрессионистами и испытали их влияние. В действительности же каждый из них представляет собой яркую творческую индивидуальность, каждый оставил свой собственный след в искусстве.

Картина Жана Жовено написана безусловно под влиянием творчества Поля Сезанна. Как и Поль Сезанн, Жан Жовено в своём «Натюрморте» стремится выявить с помощью градаций чистого цвета, устойчивых композиционных построений неизменные качества предметного мира, его пластическое богатство, логику структуры, величие природы и органическое единство ее форм. Здесь присутствует и совмещение разных точек зрения на объект при его изображении - излюбленный прием Поля Сезанна.

Принципы художественных тенденций и изобразительных элементов постимпрессионизма получили развитие в направлениях современной живописи (неомодернизм, постмодернизм).

Жан Жовено (1888-неизвестно). Натюрморт с цветами и скрипкой (фрагмент, 1916 г.)

Западноевропейская графика в собрании Приморской государственной картинной галереи не так многочисленна как живопись. Наиболее интересными экспонатами являются работы: австрийского художника Карла Гебеля (1824-1899) «Зимний пейзаж» и норвежского мастера Фрица Таулоу (1847-1911) «Лунная ночь».

Коллекция произведений приморских художников - одна из самых значимых по полноте и содержанию в собрании Приморской государственной картинной галереи. Она позволяет проследить историю развития художественной жизни края, выявить основные направления и тенденции в приморском искусстве, определить его своеобразие и особенности, – видовые и жанровые.

Формирование коллекции приморских художников – одно из приоритетных направлений комплектования музейного фонда. Пополнение коллекции до конца ХХ века осуществлялось посредством плановых закупок с выставок, из мастерских художников. Важным источником пополнения были и остаются дары художников и их наследников.

Приморскую школу живописи – наиболее значимую на Дальнем Востоке России – отличают крепкие традиции и высокие художественные достоинства. Некоторые из ее представителей известны далеко за пределами края –народный художник России Иван Васильевич Рыбачук, заслуженный деятель искусств Кирилл Иванович Шебеко, заслуженный художник РФ Анатолий Васильевич Телешов, заслуженный художник РФ Ким Петрович Коваль, приморские неомодернисты: Виктор Михайлович Шлихт, Александр Александрович Пырков, Виктор Аврамиевич Федоров, Федор Михайлович Морозов, Геннадий Алексеевич Омельченко, Рюрик Васильевич Тушкин, Юрий Валентинович Собченко и многие другие.

Юрий Валентинович Собченко (1937-2001). Скоро весна. Картон, масло.

Развитие региональной школы пейзажа связано с творчеством К.Н. Каля, Н.М. Штуккенберга и И.Ф. Палшкова. Окончивший Дюссельдорфскую Академию художеств Карл Каль cохраняет и развивает традиции импрессионистической живописи. Его пейзажи интенсивность переживания пленэрных мотивов. Художник-путешественник, вольнослушатель Петербургской Академии художеств капитан дальнего плавания Н.М. Штуккенберг воплотил в живописи неповторимую красоту природы Дальнего Востока, с её просторами, монументальностью и величием.

Илларион Фомич Палшков (1885-1953). Сплав леса на реке Эльдуге. Картон, масло.

В 1940-1950-е годы сформировалось поколение молодых художников, составивших впоследствии гордость приморского искусства: Ю.С. Рачев, И.В. Рыбачук, С.Ф. Арефин, К.И. Шебеко, А.В. Телешов, В.М. Медведский, М.И. Таболкин и другие. Именно с их творчеством связано дальнейшее развитие приморского искусства и деятельность приморского Союза. Среди жанров в это время преобладает тематическая картина, связанная как с историей, так и с современностью Приморья. Ведущим мастером в этой области был Н.А. Мазуренко, с его жизнеутверждающими композициями в духе социалистического реализма. Открытие и освоение Севера Дальнего Востока в приморском искусстве принадлежит В.Ф. Иноземцеву, И.В. Рыбачуку, К.И. Шебеко, В.Н. Самойлову. В 1947 году состоялась первая поездка Ивана Рыбачука на чукотский Север, в 1951 году к «северной теме» обратился Кирилл Шебеко. Отныне природа Камчатки, Чукотки, Сахалина, жизнь людей этих мест, станет одной из главных в творчестве приморских художников на долгие годы.

Владимир Николаевич Самойлов (1924-1989). Папу увидел. 1964 год. Холст, масло.

В 1970-80-е годы к «северной теме» приобщаются В.Н. Доронин, Н.Е. Большаков и другие. Пейзажи К.И. Шебеко отличаются пространственным размахом, получают мажорное и подлинно монументальное звучание. Стихией и эпической мощью наполнены произведения Василия Доронина. Изобразительно-художественные особенности, заложенные в самой северной природе, открывают художникам путь к созданию полотен темпераментных по живописи, разнообразных по композиционному и колористическому решению. Красоту и величавость таежной Сибири с ее особым колоритом и архитектурой представляют полотна Ю.А. Земскова и В.И. Бочанцева.

Василий Иннокентьевич Бочанцев (1932-1975). Рыбацкий поселок. 1967 год. Холст, масло.

К жанру пейзажа у приморских художников всегда было особое отношение. Развивается не только обобщенно решенный эпический пейзаж, но и пейзаж настроения с его лирическим настроем и камерностью, искренностью и непосредственностью переживания. Таковы работы М.И. Таболкина, М.В. Медведского, К.П. Коваля, городские пейзажи Владивостока Юлия Семеновича Рачева, выявляющие неповторимый образ и характер Владивостока.

Эпическая широта дальневосточной природы, её суровость и величавость стали неисчерпаемым источником вдохновения для большинства приморских художников. Ведущее положение жанра пейзажа, определило несколько традиционных мест постоянной творческой работы - северные районы Дальнего Востока, Восточная Сибирь и Курильские острова. Складывается характерный для приморского искусства тип художника-путешественника.

Продолжая и творчески развивая традиции пейзажной живописи, приморские художники создали произведения, где нашло свое выражение все многообразие видов и жанровых оттенков пейзажных полотен – этюд, картина, лирический и эпический пейзаж.

Н.А. Левданская,

Заведующая научным отделом
Приморской государственной картинной галереи

Формирование коллекции русской графики, так же, как и всей художественной коллекции, началось в 1930-е годы.

При организации Приморской картинной галереи в 1966 году из краеведческого музея им. В.К. Арсеньева были переданы не только работы, поступившие в 1930 году из ведущих музеев страны, но и те, что были приобретены краеведческим музеем с 1930 по 1966 годы. В 1981 году коллекция русской графики пополнилась произведениями, переданными из Государственного Русского музея. В 1980-е несколько графических работ было приобретено в художественных салонах и у частных владельцев. Юбилейный для Приморской государственной картинной галереи 2006 год ознаменовался важным событием – в галерею был возвращен рисунок М.А. Врубеля «Демон летящий», похищенный в 1944 году с выставки.

Михаил Александрович Врубель (1856-1910). Демон летящий. 1890-1891 года. Бумага, наклеенная на картон, акварель (черная))

Сегодня коллекция русской графики насчитывает около 70 произведений XIX – начала XX века. Немногочисленная, но разнообразная по составу имен, она дает последовательное представление о развитии графического искусства. Говоря о таком виде искусства как графика, мы прежде всего обращаемся к рисунку во всех его разновидностях, акварели, гуаши, сепии, пастели и других видах техники.

Самым ранним произведением в коллекции графики Приморской картинной галереи является работа Ивана Афанасьевича Угрюмова (1783 – не ранее 1825) – ученика Императорской Академии художеств, ставшего впоследствии историческим живописцем. Ориентация академической школы на античность как на образец всего самого совершенного и прекрасного в искусстве не могла не сказаться и на восприятии натуры.

Иван Афанасьевич Угрюмов (1784-1823). Натурщик. 1803 год. Бумага, сангина.

Первая половина XIX столетия представлена произведениями А.О. Орловского (1777 – 1832), К.П. Брюллова (1799 – 1852), П.Ф. Соколова (1791-1848).

Петр Федорович Соколов (1791-1848). Портрет княгини Шарлоты Мещерской. Бумага, акварель.

В первые десятилетия XIX века широкое распространение получил камерный графический портрет. Ставшие неотъемлемой частью русского быта портреты бережно хранили в семейных альбомах, письменных столах, ими украшали стены кабинетов и гостиных. Для многих мастеров этот жанр искусства стал основной специальностью. Портретисты отказались от приёмов трудоемкой техники миниатюры, предпочитая ей быстро завоевавшую популярность акварель. В отличие от приемов XVIII – начала XIX века, когда акварель смешивали с белилами, художники стали работать чистым цветом, накладывая краску относительно широким мазком и тонким слоем, сквозь который просвечивала бумага. Этот творческий метод был новаторским для русского камерного портрета. Краски стали прозрачнее и воздушнее. Расцвет акварельного портрета в эти годы связан с именами П.Ф. Соколова и К.П. Брюллова.

60-70-е годы XIX столетия представлены произведениями Ф.П. Чумакова (1823 – 1911) «Головка девушки», А.И. Стрелковского «У колодца» (1878), пейзажами П.А. Нисевина.

Платон Аполлонович Нисевин (1830-1877). Пейзаж. Вторая половина XIX века. Бумага, акварель.

Пейзажная графика занимает значительное место в графике второй половины XIX – начала XX века. В ней обнаруживают себя тяготение к эстетической самоценности рисунка и акварели, чувство красоты линии, фактуры листа.

Наиболее полно в коллекции представлена графика конца XIX – начала XX века. Эта эпоха в России отмечена сложнейшими переменами как в социальной, так и в духовной жизни общества. Особенности нового мироощущения, своеобразие эстетического мышления, традиции и идеи новаторства нашли воплощение в творчестве наиболее одаренных представителей молодого поколения художников. Рубеж веков отмечен деятельностью различных художественных объединений, во множестве возникших в это время. Самые известные из них: «Мир искусства», «Голубая роза», «Бубновый валет». Лучшими представителями этих объединений было сказано новое слово в станковой живописи, графике, скульптуре, декоративно-прикладном и театрально-декорационном искусстве, архитектуре.

Пейзаж рубежа XIX – XX столетий представлен в коллекции графики произведениями А.Н. Волкова-Муромцева, К.И. Горбатова, А.Н. Бенуа, М.В. Добужинского, Н.К. Рериха, С.Е. Леднева-Щукина.

Сергей Евграфович Щукин (Леднев-Щукин) (1875-1961). Зимний пейзаж. Картон, гуашь.

Гордостью коллекции является произведение Марка Захаровича Шагала «Портрет брата Давида с мандолиной» (1914). В 1914-1915 годах им была создана серия «документов» из семидесяти с лишним работ, написанных на основе натурных впечатлений (портреты, пейзажи, жанровые сцены). К серии «документов» относится и портрет из собрания галереи. Написанный гуашью на картоне, построенный на контрастах и динамичных линиях, он отличается и цельностью композиции, тщательной пластической моделировкой, энергичным мазком. Личное переживание художника, связанное с потерей любимого брата, наделяет портрет психологической достоверностью. Исполненный в экспрессионистической манере, он становится своеобразным сплавом экспрессии и документализма.

Марк Захарович (Моисей Хацкелевич) Шагал (1887-1985). Портрет брата Давида с мандолиной. 1914 год. Картон, гуашь.

Коллекция графических произведений в собрании Приморской галереи компактна однако благодаря своему стилистическому (от академизма до абстракции) и жанровому разнообразию, богатству представленных графических техник она дает достаточно полное представление о развитии русского графического искусства в XIX – начале XX века.

Собрание русской живописи второй половины XVIII – начала XX веков в Приморской государственной картинной галерее представлено полотнами художников, чьи имена являются предметом гордости отечественной культуры, а также картинами неизвестных мастеров. Более ста живописных произведений в той или иной мере позволяют проследить важные вехи отечественного изобразительного искусства.

Одна из характерных особенностей собрания – замечательная галерея портретов.

Одна из самых ранних работ, «Портрет графа Ф.Г. Орлова», 1768 г., – блестящий образец полупарадного портрета. Автор его – К-Л-И. Христинек – первый «русский живописец из немцев». Его кисти принадлежит и камерный «Портрет неизвестной в сером платье», 1770-е гг.

Карл Людвиг Иоганн Христенек (1732(33)-1792(94)). Портрет неизвестной в сером платье. 1770-е годы. Холст, масло.

Гордостью коллекции является работа Ф.С. Рокотова «Портрет князя Д.М. Голицына», 1773 г. Открывая новые грани человеческих переживаний, творчество Рокотова в какой-то степени предвосхищало поиски мастеров следующего поколения – художников романтического направления.

Федор Степанович Рокотов (1730-1808). Портрет князя Д. М. Голицына. 1773 год. Холст, масло.

В портретах В.Л. Боровиковского нашел отражение культ чувства, лежащий в основе этических идеалов сентиментализма. Для этого стилистического направления характерно новое понимание человеческих ценностей – «естественный человек в естественной среде», в свободном проявлении настроения. «Портрет П.С. Рунича», около 1798-1801 гг., «Портрет митрополита М. Десницкого», не ранее 1818 г., знакомят зрителей с творчеством последнего из блестящей плеяды портретистов XVIII века.

Владимир Лукич Боровиковский (1757-1825). Портрет митрополита Михаила Десницкого. Около 1818 года. Картон, масло.

«Портрет графа Зубова», 1780-е гг., по результатам трех экспертиз, приобрел автора – им оказался Михаил Шибанов – крепостной художник Г.А. Потемкина-Таврического. Осталось выяснить, кто из большой династии Зубовых изображен на портрете…

Михаил Шибанов (неизвестно-после 1789). Портрет графа Зубова. 1780-е годы. Холст, масло.

Академическая пейзажная живопись в России начинает развиваться в конце XVIII в. Образцом ее предстает «Пейзаж с охотником» Неизвестного художника круга Федора Михайловича Матвеева. Черты подлинного реализма внес в русский пейзаж второй четверти XIX в. Сильвестр Феодосьевич Щедрин. Первым из русских художников он начал писать этюды на пленэре. С великолепным мастерством Щедрин передавал солнечный свет, состояние атмосферы и воздушное пространство, опередив в этом многих своих современников. «Вид Сорренто близ Неаполя», 1820-е гг., – один из вариантов полюбившегося пейзажного итальянского мотива.

Сильвестр Феодосиевич Щедрин (1791-1830). Соренто близ Неаполя. 1826 год. Холст, масло.

Академическое искусство первой половины XIX в. представлено «Вакханалией» Петра Вастльевича Басина, «Портретом дамы с мальчиком» Бенуа-Шарля Митуара и «Портретом С.Ф. Сегюр» Сальватора Тончи. Академические художники строго следовали классицистическим нормам и правилам, черпали сюжеты из истории, античной мифологии, Священного писания.

Сальватор (Николай Иванович) Тончи (1756-1844). Портрет графини С. Ф. Сегюр. 1820-е. Холст, масло.

Серьезное влияние на развитие Московской школы живописи оказал Василий Андреевич Тропинин. Его творчество конца 1820 – начала 1850-х представляет собой особый самостоятельный этап. Взгляд художника стал более объективным, образы – многосторонними. Именно к этому периоду относится одна из лучших работ мастера «Портрет А.Ф. Заикина», 1837 г. Задумчивый взгляд, направленный в сторону зрителя, скользит будто бы мимо или сквозь него. Пейзаж с низким горизонтом взят с высоты птичьего полёта, что увеличивает значительность фигуры, позволяет художнику всю верхнюю часть фигуры написать на фоне хмурого неба. Именно грозовой пейзаж придаёт минорный оттенок задумчивости Александра Федоровича Заикина, представителя поколения «лишних людей».

Василий Андреевич Тропинин (1776-1857). Портрет А.Ф. Заикина. 1837 год. Холст, масло.

Современником Тропинина был художник Никифор Григорьевич Чернецов. Воплощая в картины натурные эскизы, Н. Г. Чернецов создавал как правило панорамные виды, для которых характерны простота мотивов, натуральность цветовых отношений при небольшой палитре («Вид на Вифлеем с Иерусалимской дороги», 1870 г.).

Никанор Григорьевич Чернецов (1805-1879). Вид на Вифлиеем с Иерусалимской дороги. 1870 год. Холст, масло.

Творчество художника-романтика Ореста Адамовича Кипренского представлено «Портретом неизвестного в шубе» 1816–1819 гг. Более полувека произведение хранилось в запасниках как работа Неизвестного художника. В 1982 г. было проведено технико-технологическое исследование в Государственном Русском музее, позволившее подтвердить авторство Ореста Кипренского и установить дату создания портрета – 1816-1819 гг.

Орест Адамович Кипренский (1762-1836). Портрет неизвестного в шубе. 1816-1819 года. Холст, масло.

Новые тенденции в русской живописи первой половины XIX века связаны с именем Алексея Гавриловича Венецианова – родоначальника русского национального лирического пейзажа, зачинателя крестьянского бытового жанра, основателя школы живописцев, сыгравшей большую роль в утверждении реализма и демократизма в искусстве. Школа Венецианова представлена картиной «Смеющийся мальчик с пряниками», 1826 г., Никифора Крылова. Художнику удалось передать образ смышленого мальчика с веселыми хитроватыми глазами, держащего в правой руке картуз с фигурными пряниками.

Никифор Степанович Крылов (1802-1831), школа А.Г. Венецианова. Смеющийся мальчик с пряником. Этюд. 1826 год. Картон, масло.

Творчество художников–передвижников в коллекции Приморской галереи представлено единичными работами. «Портрет Белоголового», 1884 г., Ивана Николаевича Крамского в полной мере вписывается в концепцию передвижнического портрета как исторически достоверного художественного документа. Характерной особенностью пейзажа второй половины XIX в. является его многообразие. Творчество Ивана Ивановича Шишкина явилось новым этапом в развитии русского реалистического пейзажа, художник воспевал красоту русской природы, точно следуя натуре. Таков этюд «В лесу. Упавшее дерево», 1870-е гг. Василий Дмитриевич. Поленов, стремясь к достоверности изображения природы и обстановки, в которой совершались евангельские события, дважды совершал путешествия на Ближний Восток, написал там много документально точных и в то же время поэтичных этюдов, поражающих чистотой и свежестью красок, тонкой передачей света и воздуха. Один из них – «Киоск на острове Филе (Филаке)»,1881 г. В позднеромантической традиции выполнены работы известных маринистов: Льва Феликсовича Лагорио «Лунная ночь на Неве. Вид с Охты на Смольный», 1898 г. и Руфина Григорьевича. Судковского «Перед грозой (Днепровский лиман)», 1882 г.

Руфим Гаврилович Судковский (1850-1885). Перед грозой (Днепровский лиман). 1882 год. Холст, масло.

Культурная жизнь рубежа XIX – начала XX веков поразительно интенсивна: складывались новые стилевые направления, рождались смелые творческие концепции, возникали и распадались художественные кружки и объединения. Одно из них – «Мир искусства» – объединяло художников преклонением перед высокой живописной культурой. Идеологи «Мира искусства» выступали против заветов передвижничества, отстаивая эстетический принцип «искусство для искусства». В зрелый период своего творчества Валентин Александрович Серов стал членом объединения «Мир искусства». Его «Портрет княгини Ливен», 1909 г., «Портрет Г.Л. Гиршман», 1911 г., Константина Андреевича Сомова и одна из лучших работ Александра Яковлевича Головина парадный «Портрет Н.Г. Высоцкой», 1915 г., – превосходные примеры творчества художников-мирискусников, подлинные шедевры русской живописной школы.

Александр Яковлевич Головин (1863-1930). Портрет Н.Г. Высоцкой. 1915 год. Холст, темпера, пастель, уголь.

В 1910 в России появилось художественное объединение «Бубновый валет». Отказавшись от утонченного эстетства «Мира искусства» и «Голубой розы», а также от развернутой повествовательности передвижников, «бубновалетцы» ориентировались на наследие Поля Сезанна, точнее, на французскую живопись постсезанновского периода – постимпрессионизм, кубизм. В это объединение входили Александр Васильевич Куприн («Натюрморт с опрокинутой вазой», 1911 г.), Аристарх Васильевич Лентулов («Портрет М.П. Лентуловой. Исследование символического сходства, 1912 г.), Петр Петрович Кончаловский («Портрет А.Э. Генц», 1918 г.) и Роберт Рафаилович Фальк («Стволы» (Аллея), 1917 г.).

Роберт Рафаилович Фальк (1886-1958). Стволы (Аллея). 1917 год. Холст, масло.

Многие мастера молодого поколения с необычайной стремительностью переходили от одного художественного стиля к другому. В.В. Кандинский – один из основоположников абстракционизма, автор беспредметных композиций. Художник создает новый внефигуративный мир, разворачивает в пространстве картины напряженный живописно-пластический процесс и достигает абсолютной цельности художественного образа. «Импровизация», ок. 1913 г., – типичный пример творчества Василия Васильевича Кандинского, где объединены конкретное и абстрактное. Удивительный красочный, темпераментный мир мастера притягивает, завораживает, будит фантазию.

Василий Васильевич Кандинский (1866-1944). Импровизация. Около 1913 года. Картон, масло, акварель, гуашь.

Отличительной чертой любой коллекции изобразительного искусства является то, что при знакомстве с ней обязательно происходят какие-то открытия. Наиболее значительные открытия, пожалуй, ждут зрителей в залах, посвященных искусству рубежаю XIX – XX веков: произведения, показанные здесь, могли бы украсить любую коллекцию мира, они по праву составляют предмет нашей гордости.

Раздел русской скульптуры в собрании Приморской государственной картинной галереи безусловно интересен, но невелик.

В 1966 г. из Приморского краеведческого музея им. В.К. Арсеньева поступили четыре барельефа из серии на сюжеты поэмы Гомера «Одиссея» Ф.П. Толстого (1783 –1873). В том же году из Павловского парка и музея художественного убранства русских дворцов XVIII – XIX веков (ныне –Государственный музей-заповедник «Павловск») был передан мраморный бюст «Портрет С.С. Полякова» М.М. Антокольского (1848 – 1902) Управлением Комитета государственной безопасности Приморского края в 1976-м передана композиция «Кони на воле» П.К. Клодта фон Юргенсбурга (1805 – 1867).

На сайте представлены лишь самые интересные и яркие произведения.

Михаил Петрович Попов (1837-1898). Клеопаптра. 1891 год. Мрамор.

Подлинным шедевром предстает статуя Михаила Петровича Попова «Клеопатра» – существующее в одном экземпляре творение большого мастера. Изучая провенанс произведения, сотрудники галереи столкнулись с проблемой. Интрига заключалась в следующем. В Энциклопедическом словаре Брокгауза и Ефрона дается информация о том, что в 1878 г., по возвращении из Италии, М.П. Попов приступает к созданию из привезенного им каррарского мрамора статуи «Клеопатра». В книге Ф.И. Булгакова написано, что закончена «Клеопатра» в 1879 году. Там же имеется фотография академической мастерской Попова, где видна и эта статуя. На постаменте нашей скульптуры высечена дата «1891». Сложно представить, что скульптор изваял два практически идентичных варианта скульптуры – в 1879 и в 1891, да и ни один исследователь об этом не пишет. Известно, что после смерти скульптора в 1898 г. вдова обратилась к вице-президенту Академии художеств графу И.И. Толстому с просьбой об оказании материальной помощи семье, ответом на которую стало назначение пособия и приобретение для музея Академии скульптуры «Клеопатра». Согласно актам передачи 1930 года наша «Клеопатра» поступила во Владивосток именно из музея Академии художеств. Последние сомнения развеялись благодаря исследованиям О.А. Кривдиной: «Клеопатра» была окончена Поповым весной 1891 года и в том же году экспонировалась на академической выставке, в 1892 г – в Лондоне и в 1893 – в Чикаго. В 2004 г. О.А. Кривдина писала, что местонахождение скульптуры неизвестно. Сотрудник Приморской галереи А.А. Даценко, встретившись с О.А. Кривдиной во время командировки, информировала ее о том, что «Клеопатра» находится в Приморской картинной галерее. К сожалению, исследователь не совсем точно восприняла эту информацию, поскольку в статье 2008 года написала: «На статью о Попове, опубликованную в «Юном художнике», откликнулись сотрудники Приморской картинной галереи города Хабаровска и сообщили, что статуя находится у них». Приморская государственная картинная галерея располагается во Владивостоке – столице Приморского края. В той же статье О.А. Кривдиной содержится интересная информация о модели, с которой была выполнена «Клеопатра». В нескольких произведениях скульптуры, и не только изваянных М.П. Поповым, встречаются этот «удлиненный овал, прямой нос, большие глаза, вьющиеся волосы, собранные в пышную прическу, сосредоточенно-задумчивое выражение лица… Попову позировала в Риме итальянка Анна Савини, впоследствии ставшая его женой. Этот факт подтверждают ее портреты, сохранившиеся в семейном архиве».

Статуя «Клеопатра» занимает почетное место в постоянной экспозиции Приморской галереи, неизменно привлекая к себе живой интерес и внимание посетителей.

Энциклопедический словарь. – Изд. Ф.А. Брокгауз, М.А. Ефрон: Типография И.А. Ефрон. – С.П.,1898. – Т. 48, с. 564

Булгаков Ф.И. Наши художники. Репринтное издание. – М.: Трилистник, 2002 – С.107-108

Кривдина. Скульптор Михаил Попов.– Юный художник, 2004, № 3, С. 33

Кривдина О.А. Научная реконструкция творческих биографий российских скульпторов середины и второй половины XIXвека. / Известия Российского государственного педагогического университета им. А.И. Герцена.– Вып. 59, 2008. – С. 302

Кривдина О.А., Научная реконструкция… – С.301